ポップアートポップアート は、20世紀後半に最も研究されたネオアヴァンギャルド運動のひとつである。 彼はイギリスで洗礼を受けたが、すぐにアメリカに渡り、そこで運命の相手と出会った。 そして、無関心の美学を持つアメリカ人が、それを最もよく発展させている。 サラマンカ大学のマルタ・カスタネド博士が2021年、「死、災難、事故」というタイトルでポップカルチャーに関する興味深い研究を発表した。アンディ・ウォーホルとアメリカン・ドリームの終焉」。 この作品は、スペイン美学・芸術理論協会が授与する最優秀出版物賞にも選ばれた。 カスタネードはその研究の中で、ポップがいかに他の芸術だけでなく社会にも大きな影響を残したかを論じている。 その遺産は今日も脈々と受け継がれている。 そして事実、彼が文化に与えた影響は甚大だ。 ポピュラーなイメージと切り捨てられたテクニックが彼の定石だ。 この先生の作品が私たちの出発点になる。
ポップ・アート：旧世界からチャンスの国へ
だが、最初から始めよう。 1920年代、スペインの哲学者オルテガ・イ・ガセットは『大衆の反乱』を書いた。 ガセットは、啓蒙された少数派が社会的権力を得るために特権階級の要素や特徴を享受し始める可能性があると主張した。 このマスとマイノリティの二面性が議論の焦点となった。 それから約30年後、イギリスの美術評論家ローレンス・アロウェイは、ポップ・アートの創始者であるローレンス・アロウェイのテキストに、こうした考えを反映させた。 しかし、アロウェイはエリート主義的な文化を擁護するのではなく、大衆の味覚に目を向けることを好む。
この批評家は、1950年代に新しい言語を提唱していた芸術家グループの声を代弁していた。 その中には、リチャード・ハミルトン、エドゥアルド・パオロッツィ、そしてアロウェイ自身も含まれていた。 芸術家、批評家、建築家の排他的なグループで、システムを覆そうと躍起になっている。 彼らは抽象的なレトリックにうんざりしていた。 カスタネード教授が言うように、これらの先駆的な芸術家たちは大衆文化の産物を解剖し、そこから多くのものを参考にしている。 映画であれ、漫画であれ、音楽であれ。 彼の主な関心事のひとつは、アートとテクノロジーの関係である。
ディス・イズ・トゥモロー：ポップ・アートの夜明け
1956年、ホワイトチャペル・ギャラリーは、ポップ・アートの原点とされる「This is tomorrow」展を開催した。 この展覧会の共通点は、現代の生活である。 そのプレゼンテーションは、意思表明でもあった。 アーティストたちは12のグループに分けられた。 ギャラリーはインスタレーションで埋め尽くされ、見る者の注意を引くために作品が互いに競い合った。 当時の観客にはまったく馴染みのないインタラクティブな展示だった。 提案のひとつは、一度の戦争で何が残るかという破滅的なビジョンだった。 一方、エデンという考えを守らなければならない者もいた。 有名なコラージュ リチャード・ハミルトン 展覧会のポスターとして制作されたこの作品は、このムーブメントにおける最初のポップ・アート・コラージュのひとつである。 アダムがボディビルダーとして堂々と筋肉を見せつける一方で、イヴはピンナップに変身した。 このような現代のアダムが身につけているロリポップには、POPという文字が読める。 このポスターは、高揚感を愛し、美と強さとセックスを崇拝する戦後社会のあらゆる要素を示している。 聞き覚えがあるだろうか？ まったくの偶然だ。 このポスターは、その先にある未来について語っている。 アメリカでは現実となった消費社会も、1950年代のヨーロッパでは単なる夢だった。 喫緊の課題は、荒廃した都市の再建と住民の食糧確保だった。
英国ポップアートの慎重さから米国の大胆さへ
イギリスはポップス発祥の地ではあるが、イギリスのアーティストたちは、この新しい言語の定石を限界まで押し広げる勇気はなかった。 彼らの慎重さとは対照的に、アメリカは決定的な一歩を踏み出した。 パリは長い間享受してきた芸術の都を失った。 終戦によって地図は変わり、アメリカは復讐に燃えていた。 1960年代、ニューヨークはこの文化的リーダーシップを担っていた。 ポップはこの中産階級との接触によって変貌する。
芸術の分野において、アメリカン・ポップアートの特徴は、英国ポップアートのそれとはやや異なる。 ここで重要なのは、何をどのようにするかだ。 最初の質問に対する答えは、消費の対象、あるいは大衆文化の参照物である。 ポップアートの絵画に反映されている、純粋に産業界に由来するポピュラーな図像。 大量生産のボキャブラリーにも基づいたスタイルをいかに発見しなければならないかについて。 物質と形が自律性を獲得する。
アンディ・ウォーホル：商業デザイナーからポップ・アートのアイコンへ
アメリカのアーティストの多くが、商業デザインや広告の世界の出身であることを心に留めておこう。 これはアンディ・ウォーホルのケースであり、彼の夢と願望は常にポップアート・アーティストになることだった。 そしてそうなった。 彼はデザイナーからクリエーターになった。 エルヴィス、マリリン・モンロー、ジャッキー・ケネディといったアイドルのアプロプリエーションは、20世紀を代表する作品のひとつである。
「将来、誰もが15分間だけ世界的に有名になる」。- アンディ・ウォーホル
理解するために ポップアートとは何か そして、彼の遺産が私たちの日常生活にどの程度残っているのか、私たちは彼の特徴を認識しなければならない。 一方では、身振り手振りのない、筆跡のない純粋なスタイル。 表現主義など他の運動とは対照的に、ポップ・アートはアーティストの手を隠そうとする。 彼の言葉は明瞭で直接的だ。 反芸術的という意味で）機械的とさえ言える。 その目的はアメリカ社会を代表することだ。 彼はよく冷たいと言われる。 反復的という考え方はしばしばポップに登場し、個人を凌駕する組み立てラインを暗示する。 結局のところ、どんな労働者でも入れ替わる可能性がある。 この工業化とマーケティングの模倣は、広告に見られるように、最もよく知られた特徴のひとつである。 つまり、商業的なイメージ、芸術的なテクニックを商業的なテクニックに置き換えること、工業的な素材を使うこと。
ポストモダニズムの先駆としてのポップ・アート
アメリカの労働者階級は、抽象表現主義を理解することができなかった。 しかし、ポップスは決していわゆる大衆趣味のスタイルではなかった。 むしろ、すぐに合法的な前衛芸術となった。 ポピュラーカルチャーからアイコンを拝借しただけだ。 結局のところ、ポップは読みやすく、理解しやすく、整列したアーティストの神話を打ち破り、何よりも共犯的な芸術なのだ。 日常的な要素に基づく具象の回復は、彼の最大の味方である。
ポップ・アートにおける無関心の美学
カスタネード教授が述べている考え方の中に、私には非常に適切だと思えるものがある。 彼女は、ポップ・アートは現実の生活に似せたいのではなく、マーケティングや広告の世界が伝える生活のアイデアやモデルに似せたいのだと主張する。 ロイ・リキテンスタインの作品と、彼がいかに遠く、非人間的で冷静な方法でコミック・ストリップから絵を描いているかを思い出してみよう。 この非人間性という考え方は、多くのアメリカ人アーティストに見られるが、イギリス人アーティストには見られない。
アメリカン・ポップ・アートは、消費社会を風刺するものでも、擁護したり受け入れたりするものでもない。 マルタ・カスタネードの仮説によれば、ポップは現実を判断することなく記録することに限定される。 それゆえ、彼はこの言葉を作った。 無関心の美学. 彼の言説に従えば、それがなぜ彼が今日でもこれほど影響力を持ち続けているのかの答えになるだろう。 批判か受容かという、まさにこのパラドックスにこそ、その成功がある。 ポップには答えがなく、沈黙がある。 アーティストはもはや何も語らず、観客が意味を与えるのだ。
他の著者は、ポップはある意味でポストモダンの先駆けであると主張する。 それまでは、芸術とはとてつもなく深刻なものだった。 この挑発は、今日の芸術的提案の多くに見られ続けている。
マセダがポップアートの表面性を超えた理由
マセダはポップ・アートにインスピレーションの源を見出しているが、彼の作品はそれをはるかに超えている。 彼の作品は、さらにその先にある。. 彼の特徴であるフッ素のような明るい色の使用や、わかりやすい人物の表現など、ポップ・アートの特徴的な要素を取り入れてはいるが、マセダは明らかにこのムーブメントとは距離を置いている。 彼の芸術は、深い感情の探求と人間の弱さの生々しい描写に根ざしており、ポップ・アートを定義する凡庸さや無関心さとは一線を画している。 マセダはジェスチャー的な筆致を用い、アーティストの手を隠すポップ・アートとは対照的だ。 マセダはジェスチャーを楽しみ、それぞれの作品との個人的なつながりを強調する。
マセダは黒と白のパレットを使い、蛍光ピンクのタッチがトレードマークとなっている。 個人的な表現やアーティストの手による表現を避けがちなポップ・アートとは異なり、マセダは人間の心の最も暗い部分の探求に没頭している。 彼の肖像画は強烈な感情表現に満ちており、見る者と直接つながろうとし、被写体のもろさや内面の葛藤を浮き彫りにする。
ポップ・アートが反復やポピュラーな図像を通して消費文化を賛美し、批評するのに対し、マセダは個性と内省に焦点を当てている。 彼の作品には、誰もが知っている人物が登場するものの、大衆文化の表面的な部分を再現しようとするのではなく、むしろ人間の心理を掘り下げている。 この差別化は、現代美術におけるその位置づけを理解する上で極めて重要である。
その顕著な例が、マセダが27歳で亡くなった象徴的なミュージシャンたちを描いた作品集『El Club de los 27』である。 このシリーズは、有名人に対するポップ・アートのアプローチと同様に、これらの人物の悪名を浮き彫りにするだけでなく、彼らが直面した個人的な苦悩や苦悩も探求している。 この肖像画集の一枚一枚は、これらのアーティストのもろさや複雑さを映し出す窓であり、痛みや傷つきやすさ、成功や名声のはかない性質といったテーマを扱っている。
結論として、マセダがポップ・アートに影響を受けていることは否定できないが、彼の作品は内省的で感情的なアプローチによって際立っている。 ポップ・アートの遺産は、彼の図像や色使いに見ることができるが、マセダは、見るだけでなく感じるアートを創作することで、これらの影響を超越している。 彼の作品は、テクニックと感情のユニークな組み合わせで、アーバンアートが人間の状態を探求し表現する方法を再定義している。
Comisaria independiente, crítica de arte y profesora en la Universitat Jaume I de Castelló. Compagina la docencia e investigación en el campo de las artes con el periodismo cultural a través de colaboraciones con medios como la SER o el periódico El Mundo.
