Die Pop-Art ist eine der meiststudierten Neo-Avantgarde-Bewegungen der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Er wurde in England getauft, schaffte aber schon bald den Sprung in die USA, wo er sein Glück fand. Und es sind die Amerikaner mit ihrer Ästhetik der Gleichgültigkeit, die sie am besten entwickeln. Marta Castanedo, Doktorandin an der Universität von Salamanca, veröffentlichte 2021 eine interessante Studie über Popkultur unter dem Titel ‚Tod, Katastrophe und Unfall. Andy Warhol und das Ende des amerikanischen Traums‘. Dieses Werk wurde auch mit dem nationalen Preis für die beste Publikation ausgezeichnet, der von der Spanischen Gesellschaft für Ästhetik und Kunsttheorie verliehen wurde. In seiner Studie legt Castanedo dar, wie der Pop einen großen Einfluss auf die anderen Künste, aber auch auf die Gesellschaft ausgeübt hat. Ein Erbe, das auch heute noch sehr lebendig ist. Und Tatsache ist, dass sein Einfluss auf die Kultur enorm ist. Populäre Bilder zusammen mit abgewerteten Techniken ist seine Formel. Die Arbeit dieses Lehrers ist unser Ausgangspunkt.
Pop Art: Von der Alten Welt ins Land der unbegrenzten Möglichkeiten
Aber lassen Sie uns am Anfang beginnen. In den 1920er Jahren schrieb der spanische Philosoph Ortega y Gasset ‚Die Revolte der Massen‘. Gasset behauptete, dass eine aufgeklärte Minderheit beginnen könnte, sich Elemente oder Eigenschaften der privilegierten Klassen anzueignen, um soziale Macht zu erlangen. Diese Dualität zwischen Masse und Minderheit wurde zum Mittelpunkt der Debatte. Fast 30 Jahre später griff der englische Kunstkritiker Lawrence Alloway diese Ideen in dem Gründungstext der Pop Art auf. Alloway ist jedoch weit davon entfernt, eine elitäre Kultur zu verteidigen, und zieht es vor, den Geschmack der Massen zu betrachten.
Dieser Kritiker gab einer Gruppe von Künstlern eine Stimme, die in den 1950er Jahren für eine neue Sprache eintraten. Zu ihnen gehörten Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi und Alloway selbst. Eine exklusive Gruppe von Künstlern, Kritikern oder Architekten, die das System unterwandern wollen. Sie waren der abstrakten Rhetorik überdrüssig. Wie Professor Castanedo feststellt, sezieren diese bahnbrechenden Künstler die Produkte der Massenkultur, aus denen sie viele ihrer Referenzen beziehen. Ob Filme, Comics oder Musik, hauptsächlich. Eines seiner Hauptanliegen ist die Beziehung zwischen Kunst und Technologie.
This Is Tomorrow: die Anfänge der Pop Art
1956 fand in der Whitechapel Gallery die Ausstellung „This is tomorrow“ statt, die als Ausgangspunkt für die Pop Art gilt. Der rote Faden der Ausstellung war das moderne Leben. Seine Präsentation war auch eine Absichtserklärung. Die Künstler wurden in zwölf Gruppen aufgeteilt. Die Galerie war mit Installationen gefüllt und die Stücke wetteiferten miteinander um die Aufmerksamkeit des Betrachters. Es war eine interaktive Ausstellung, an die die Betrachter damals überhaupt nicht gewöhnt waren. Einer der Vorschläge war eine katastrophale Vision dessen, was von einem einzigen Krieg übrig bleiben würde. Andere hingegen mussten eine Idee von Eden verteidigen. Die berühmte Collage, die Richard Hamilton das als Ausstellungsplakat erstellt wurde, ist eine der ersten Pop-Art-Collagen der Bewegung. Während Adam ein Bodybuilder ist, der seine Muskeln schamlos zur Schau stellt, hat sich Eva in ein Pin-up-Mädchen verwandelt. Das Wort POP ist auf dem Lollipop zu lesen, den diese Art von modernem Adam trägt. Dieses Plakat zeigt alle Elemente einer Nachkriegsgesellschaft, die den Überschwang liebte, in der der Kult um Schönheit, Stärke und Sex vorherrschte. Kommt Ihnen das bekannt vor? Reiner Zufall. Dieses Poster erzählt uns von der Zukunft, die vor uns liegt. Eine Konsumgesellschaft, die in Amerika Realität war, aber in Europa in den 1950er Jahren nur ein Traum war. Die dringendste Aufgabe war der Wiederaufbau der zerstörten Städte und die Ernährung der Bevölkerung.
Von britischer Pop-Art-Besonnenheit zu amerikanischer Kühnheit
Obwohl England der Geburtsort des Pop ist, wagten es britische Künstler nicht, die Postulate dieser neuen Sprache bis zum Äußersten zu treiben. Im Gegensatz zu ihrer Vorsicht haben die Amerikaner den endgültigen Schritt getan. Paris hatte die künstlerische Hauptstadt verloren, die es lange Zeit war. Das Ende des Krieges hatte die Landkarte verändert und die USA traten mit Nachdruck auf. Es waren die 1960er Jahre und New York übernahm die kulturelle Führung. Pop wird durch den Kontakt mit dieser Mittelschicht verändert.
Auf dem Gebiet der Kunst unterscheiden sich die Merkmale der amerikanischen Pop Art etwas von denen der englischen Pop Art. Es geht hier um das Was und das Wie. Die Antwort auf die erste Frage ist das Objekt des Konsums oder die Referenten der Populärkultur. Eine populäre Ikonographie rein industriellen Ursprungs, die sich in den Gemälden der Pop Art widerspiegelt. Darüber, wie wir einen Stil entdecken müssen, der auch auf dem Vokabular der Massenproduktion basiert. Substanz und Form gewinnen an Autonomie.
Andy Warhol: vom Werbedesigner zur Pop-Art-Ikone
Vergessen Sie nicht, dass viele amerikanische Künstler aus der Welt des kommerziellen Designs und der Werbung kommen. Dies ist der Fall von Andy Warhol, dessen Traum und Bestreben es immer war, ein Pop-Art-Künstler zu werden. Und so war es auch. Er wurde von einem Designer zu einem Schöpfer. Seine Aneignungen von Idolen wie Elvis, Marilyn Monroe und Jackie Kennedy gehören zu den berühmtesten Werken des 20. Jahrhunderts.
„In der Zukunft wird jeder für 15 Minuten weltberühmt sein“. – Andy Warhol
Um zu verstehen was Pop Art ist und inwieweit sein Vermächtnis noch immer in unserem täglichen Leben präsent ist, müssen seine Merkmale gewürdigt werden. Auf der einen Seite dieser reine Stil, frei von Gesten, wo es keinen Pinselstrich gibt. Im Gegensatz zu anderen Bewegungen wie dem Expressionismus versucht die Pop Art, die Hand des Künstlers zu verbergen. Seine Sprache ist klar und direkt. Man könnte sogar sagen, mechanisch (im Sinne von anti-künstlerisch). Ihr Ziel ist es, die amerikanische Gesellschaft zu repräsentieren. Er wird oft als kalt beschrieben. Die Idee des Repetitiven taucht oft in der Popmusik auf und spielt auf ein Fließband an, das das Individuum außer Kraft setzt. Schließlich kann jeder Arbeitnehmer ersetzt werden. Diese Nachahmung der Industrialisierung und des Marketings, wie in der Werbung, ist eines ihrer markantesten Merkmale. Kurz gesagt, kommerzielle Bilder, die Ersetzung künstlerischer Techniken durch kommerzielle Techniken und die Verwendung von industriellen Materialien.
Pop Art als Vorläufer der Postmoderne
Die amerikanische Arbeiterklasse hat den Abstrakten Expressionismus nie verstanden, einen Stil, der bereits genuin amerikanisch war, ohne dem alten Europa verpflichtet zu sein. Pop war jedoch keineswegs ein Stil des sogenannten populären Geschmacks. Vielmehr wurde sie bald zu einer legitimen, avantgardistischen Kunstform. Es hat seine Ikonen einfach aus der Populärkultur übernommen. Schließlich ist Pop lesbar, verständlich, bricht mit dem Mythos des ausgerichteten Künstlers und ist vor allem eine mitschuldige Kunst. Die Wiederherstellung der Figuration auf der Grundlage von Alltagselementen ist sein bester Verbündeter.
Die Ästhetik der Gleichgültigkeit in der Pop Art
Es gibt einen Gedanken, den Professor Castanedo aufgreift und der mir sehr treffend zu sein scheint. Sie argumentiert, dass die Pop Art nicht dem realen Leben ähneln will, sondern der Idee oder dem Modell des Lebens, das durch das Marketing oder die Werbewelt vermittelt wird. Erinnern wir uns an die Arbeiten von Roy Lichtenstein und wie er auf eine distanzierte und unpersönliche, leidenschaftslose Weise von Comics zeichnet. Diese Idee der Unpersönlichkeit findet sich bei vielen amerikanischen Künstlern, aber nicht bei englischen Künstlern.
Die amerikanische Pop Art ist weder eine Satire auf die Konsumgesellschaft noch eine Verteidigung oder Akzeptanz dieser Gesellschaft. Der Hypothese von Marta Castanedo zufolge beschränkt sich Pop darauf, die Realität festzuhalten, ohne zu urteilen. Daher prägte er den Ausdruck Ästhetik der Gleichgültigkeit. Wenn man seinen Ausführungen folgt, wäre das die Antwort darauf, warum er heute noch so einflussreich ist. Genau in diesem Paradoxon von Kritik oder Akzeptanz liegt sein Erfolg. In Pop gibt es keine Antworten, es herrscht Stille. Die Künstler sagen nichts mehr, jetzt ist es der Betrachter, der die eine oder andere Bedeutung gibt.
Andere Autoren argumentieren, dass der Pop in gewisser Weise ein Vorläufer der Postmoderne ist, indem er Banalität in die Kunst einführt. Bis dahin war die Kunst etwas ungeheuer Ernstes. Eine Provokation, die wir auch heute noch in vielen künstlerischen Vorschlägen sehen.
Warum Maseda über die Oberflächlichkeit der Pop Art hinausgeht
Maseda findet in der Pop Art eine Quelle der Inspiration, aber seine Arbeit geht viel weiter als die Pop Art. seine Arbeit geht viel weiter. Obwohl er einige charakteristische Elemente der Pop Art aufgreift, wie die Verwendung leuchtender Farben wie das charakteristische Fluor und die Darstellung erkennbarer Figuren, distanziert sich Maseda deutlich von dieser Bewegung. Seine Kunst wurzelt in einer tiefen emotionalen Erforschung und einer rohen Darstellung menschlicher Verletzlichkeit, Aspekte, die sie von der Banalität oder Gleichgültigkeit abgrenzen, die die Pop Art definiert. Maseda verwendet einen gestischen Pinselstrich, der im Gegensatz zur Pop Art steht, bei der die Hand des Künstlers verdeckt wird. Maseda erfreut sich an der Geste, die seine persönliche Verbindung zu jedem Werk unterstreicht.
Maseda verwendet eine Palette von Schwarz und Weiß mit einem Hauch von fluoreszierendem Pink, die zu seinem Markenzeichen geworden ist. Im Gegensatz zur Pop Art, die dazu neigt, den persönlichen Ausdruck und die Handschrift des Künstlers zu vermeiden, taucht Maseda in die Erforschung der dunkelsten Ecken der menschlichen Seele ein. Seine Porträts, die von einem intensiven emotionalen Ausdruck geprägt sind, suchen den direkten Kontakt zum Betrachter und offenbaren die Zerbrechlichkeit und die inneren Kämpfe der Porträtierten.
Während die Pop Art die Konsumkultur durch Wiederholung und populäre Ikonographie feiert und kritisiert, konzentriert sich Maseda auf Individualität und Introspektion. Obwohl seine Werke erkennbare Figuren enthalten, versuchen sie nicht, die Oberflächlichkeit der Populärkultur zu replizieren, sondern erforschen die menschliche Psyche. Diese Unterscheidung ist entscheidend für das Verständnis seiner Stellung in der zeitgenössischen Kunst.
Ein bemerkenswertes Beispiel für diese Auszeichnung ist seine Sammlung „El Club de los 27“, in der Maseda ikonische Musiker porträtiert, die im Alter von 27 Jahren gestorben sind. Diese Serie hebt nicht nur die Berühmtheit dieser Figuren hervor, ähnlich dem Pop-Art-Ansatz für Berühmtheiten, sondern erforscht auch ihre persönlichen Kämpfe und die Qualen, denen sie ausgesetzt waren. Jedes Porträt in dieser Sammlung ist ein Fenster zur Zerbrechlichkeit und Komplexität dieser Künstler, die sich mit Themen wie Schmerz, Verletzlichkeit und der Vergänglichkeit von Erfolg und Ruhm auseinandersetzen.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Maseda zwar einen unbestreitbaren Einfluss in der Pop Art findet, sein Werk sich jedoch durch seinen introspektiven und emotionalen Ansatz auszeichnet. Das Erbe der Pop Art ist in seiner Verwendung von Ikonographie und Farbe zu erkennen, aber Maseda geht über diese Einflüsse hinaus, indem er Kunst schafft, die man nicht nur sieht, sondern auch fühlt. Mit seiner einzigartigen Kombination aus Technik und Emotion definiert er neu, wie urbane Kunst die menschliche Existenz erforschen und ausdrücken kann. Kollektionen wie „The 27 Club“ unterstreichen sein Engagement, die Komplexität und Tiefe seiner Themen zu zeigen.
Comisaria independiente, crítica de arte y profesora en la Universitat Jaume I de Castelló. Compagina la docencia e investigación en el campo de las artes con el periodismo cultural a través de colaboraciones con medios como la SER o el periódico El Mundo.
