Le pop art est l’un des mouvements néo-avant-gardistes les plus étudiés de la seconde moitié du XXe siècle. Il a été baptisé en Angleterre, mais s’est rapidement rendu aux États-Unis, où il a rencontré la personne qu’il cherchait. Et ce sont les Américains, avec leur esthétique de l’indifférence, qui la développent le mieux. Marta Castanedo, titulaire d’un doctorat de l’université de Salamanque, a publié en 2021 une étude intéressante sur la culture pop intitulée « Death, disaster and accident. Andy Warhol et la fin du rêve américain ». Ce travail a également été récompensé par le prix national de la meilleure publication décerné par la Société espagnole d’esthétique et de théorie des arts. Dans son étude, Castanedo explique comment la musique pop a exercé une grande influence sur les autres arts, mais aussi sur la société. Un héritage qui est encore bien vivant aujourd’hui. Et le fait est qu’elle a eu un impact considérable sur la culture. Des images populaires associées à des techniques dévalorisées, telle est sa formule. Le travail de cet enseignant devient notre point de départ.
Pop Art : de l’ancien monde à la terre d’élection
Mais commençons par le début. Dans les années 1920, le philosophe espagnol Ortega y Gasset a écrit « La révolte des masses ». Gasset affirmait qu’une minorité éclairée pouvait commencer à profiter des éléments ou des traits des classes privilégiées afin d’acquérir un pouvoir social. Cette dualité masse-minorité est devenue le point central du débat. Près de 30 ans plus tard, le critique d’art anglais Lawrence Alloway reprend ces idées dans le texte fondateur du Pop Art. Cependant, loin de défendre une culture élitiste, Alloway préfère s’intéresser au goût des masses.
Ce critique donnait la parole à un groupe d’artistes qui, dans les années 1950, prônaient un nouveau langage. Parmi eux, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi et Alloway lui-même. Un groupe exclusif d’artistes, de critiques ou d’architectes désireux de subvertir le système. Ils étaient fatigués de la rhétorique abstraite. Comme l’indique le professeur Castanedo, ces artistes pionniers dissèquent les produits de la culture de masse dont ils tirent nombre de leurs références. Qu’il s’agisse de films, de bandes dessinées ou de musique, principalement. L’une de ses principales préoccupations est la relation entre l’art et la technologie.
This Is Tomorrow : l’aube du Pop Art
En 1956, la galerie Whitechapel accueille l’exposition « This is tomorrow », considérée comme le point de départ du pop art. Le fil conducteur de l’exposition était la vie moderne. Sa présentation était également une déclaration d’intention. Les artistes ont été répartis en douze groupes. La galerie était remplie d’installations et les pièces rivalisaient les unes avec les autres pour attirer l’attention du spectateur. Il s’agissait d’une exposition interactive à laquelle les spectateurs de l’époque n’étaient pas du tout habitués. L’une des propositions était une vision catastrophique de ce qu’il resterait d’une guerre unique. D’autres, en revanche, devaient défendre une idée de l’Eden. Le célèbre collage qui Richard Hamilton créée comme affiche d’exposition, est l’un des premiers collages pop art du mouvement. Alors qu’Adam est un bodybuilder qui exhibe effrontément ses muscles, Eve s’est transformée en pin-up. Le mot POP peut être lu sur la sucette portée par cette sorte d’Adam moderne. Cette affiche présente tous les éléments d’une société d’après-guerre éprise d’exubérance, où prédomine le culte de la beauté, de la force et du sexe. Cela vous rappelle quelque chose ? C’est un pur hasard. Cette affiche nous parle de l’avenir qui nous attend. Une société de consommation qui, en Amérique, était une réalité, mais qui, en Europe, dans les années 1950, n’était qu’un rêve. La tâche la plus urgente était de reconstruire les villes dévastées et de nourrir la population.
De la prudence du pop art britannique à l’audace américaine
Bien que l’Angleterre soit le berceau du pop, les artistes britanniques n’ont pas osé pousser à leur paroxysme les postulats de ce nouveau langage. Contrairement à leur prudence, les Américains ont pris la décision définitive. Paris a perdu le capital artistique dont elle jouissait depuis longtemps. La fin de la guerre a changé la carte et les États-Unis sont apparus en force. C’était dans les années 1960 et New York assumait ce leadership culturel. Le pop se transforme au contact de cette classe moyenne.
Dans le domaine des arts, les caractéristiques du pop art américain sont quelque peu différentes de celles du pop art anglais. Ce qui importe ici, c’est le quoi et le comment. La réponse à la première question est l’objet de consommation ou les référents de la culture populaire. Une iconographie populaire d’origine purement industrielle qui se reflète dans les peintures pop art. Sur la façon dont nous devons découvrir un style qui est également basé sur le vocabulaire de la production de masse. Le fond et la forme gagnent en autonomie.
Andy Warhol : du designer commercial à l’icône du pop art
N’oublions pas que de nombreux artistes américains sont issus du monde du design commercial et de la publicité. C’est le cas d’Andy Warhol, dont le rêve et l’aspiration ont toujours été de devenir un artiste du pop art. Et c’est ce qui s’est passé. Il est passé du statut de concepteur à celui de créateur. Son appropriation d’idoles telles qu’Elvis, Marilyn Monroe et Jackie Kennedy compte parmi les œuvres les plus célèbres du 20e siècle.
« À l’avenir, tout le monde sera mondialement connu pendant 15 minutes ». – Andy Warhol
Pour comprendre ce qu’est le pop art et dans quelle mesure son héritage est encore présent dans notre vie quotidienne, nous devons reconnaître ses traits. D’une part, ce style pur, sans geste, où il n’y a pas de coup de pinceau. Contrairement à d’autres mouvements tels que l’expressionnisme, le Pop Art tente de dissimuler la main de l’artiste. Son langage est clair et direct. On pourrait même dire mécanique (dans le sens d’anti-artistique). Son objectif est de représenter la société américaine. Il est souvent décrit comme froid. L’idée du répétitif apparaît souvent dans la pop, faisant allusion à une chaîne de montage qui supplante l’individu. Après tout, tout travailleur peut être remplacé. Ce mimétisme avec l’industrialisation et le marketing, comme dans la publicité, est l’une de ses marques les plus reconnaissables. En bref, les images commerciales, le remplacement des techniques artistiques par des techniques commerciales et l’utilisation de matériaux industriels.
Le pop art, précurseur du postmodernisme
Les classes populaires américaines n’ont jamais compris l’expressionnisme abstrait, un style qui était déjà authentiquement américain, sans être redevable à la vieille Europe. Cependant, la pop n’était en aucun cas un style de goût dit populaire. Au contraire, elle est rapidement devenue une forme d’art légitime et avant-gardiste. Elle a simplement emprunté ses icônes à la culture populaire. Après tout, le pop est lisible, compréhensible, il brise le mythe de l’artiste aligné et, surtout, c’est un art complice. La récupération de la figuration à partir d’éléments du quotidien est son meilleur allié.
L’esthétique de l’indifférence dans le Pop Art
Il y a une idée sur laquelle le professeur Castanedo s’attarde qui me semble très juste. Elle affirme que le pop art ne cherche pas à ressembler à la vie réelle, mais à l’idée ou au modèle de vie véhiculé par le marketing ou le monde de la publicité. Souvenons-nous des œuvres de Roy Lichtenstein et de la façon dont il s’inspire des bandes dessinées de manière distante et impersonnelle, dépassionnée. Cette idée d’impersonnalité se retrouve chez de nombreux artistes américains, mais pas chez les artistes anglais.
Le pop art américain n’est ni une satire de la société de consommation, ni une défense ou une acceptation de celle-ci. Selon l’hypothèse de Marta Castanedo, la pop se limite à enregistrer la réalité sans porter de jugement. C’est ainsi qu’il a inventé l’expression esthétique de l’indifférence. Si l’on suit son discours, ce serait la réponse à la question de savoir pourquoi il est encore si influent aujourd’hui. C’est dans ce paradoxe même de la critique ou de l’acceptation que réside son succès. En pop, il n’y a pas de réponses, il y a le silence. Les artistes ne disent plus rien, c’est le spectateur qui donne un sens ou un autre.
D’autres auteurs soutiennent que, d’une certaine manière, le pop est un précurseur de la postmodernité, en introduisant la banalité dans l’art. Jusqu’alors, l’art était quelque chose d’extrêmement sérieux. Une provocation que l’on retrouve dans de nombreuses propositions artistiques actuelles.
Pourquoi Maseda va au-delà de la superficialité du Pop Art
Maseda trouve dans le Pop Art une source d’inspiration, mais son travail va bien au-delà. son travail va bien au-delà. Bien qu’il s’inspire de certains éléments caractéristiques du Pop Art, tels que l’utilisation de couleurs vives, comme son fluor caractéristique, et la représentation de figures reconnaissables, Maseda se démarque clairement de ce mouvement. Son art est ancré dans une exploration émotionnelle profonde et une représentation brute de la vulnérabilité humaine, aspects qui l’éloignent de la banalité ou de l’indifférence qui définissent le Pop Art. Maseda utilise un coup de pinceau gestuel qui contraste avec le Pop Art, qui dissimule la main de l’artiste. Maseda se délecte du geste, soulignant son lien personnel avec chaque œuvre.
Maseda utilise une palette de noir et de blanc avec des touches de rose fluorescent qui est devenue sa marque de fabrique. Contrairement au Pop Art, qui tend à éviter l’expression personnelle et la main de l’artiste, Maseda se plonge dans l’exploration des recoins les plus sombres de l’âme humaine. Ses portraits, chargés d’une expression émotionnelle intense, cherchent à établir un lien direct avec le spectateur, révélant la fragilité et les luttes intérieures de ses sujets.
Alors que le Pop Art célèbre et critique la culture de consommation à travers la répétition et l’iconographie populaire, Maseda se concentre sur l’individualité et l’introspection. Ses œuvres, bien qu’elles comprennent des figures reconnaissables, ne cherchent pas à reproduire la superficialité de la culture populaire, mais plutôt à plonger dans la psyché humaine. Cette différenciation est cruciale pour comprendre sa place dans l’art contemporain.
Un exemple notable de cette distinction est sa collection « El Club de los 27 », dans laquelle Maseda dresse le portrait de musiciens emblématiques décédés à l’âge de 27 ans. Cette série ne met pas seulement en lumière la notoriété de ces personnages, à l’instar de l’approche de la célébrité par le Pop Art, mais explore également leurs luttes personnelles et les tourments auxquels ils ont dû faire face. Chaque portrait de cette collection est une fenêtre ouverte sur la fragilité et la complexité de ces artistes, abordant les thèmes de la douleur, de la vulnérabilité et de la nature éphémère du succès et de la célébrité.
En conclusion, bien que Maseda trouve dans le Pop Art une influence indéniable, son œuvre se distingue par son approche introspective et émotionnelle. L’héritage du Pop Art est visible dans son utilisation de l’iconographie et de la couleur, mais Maseda transcende ces influences en créant un art qui n’est pas seulement vu, mais ressenti. Son travail, qui combine de manière unique technique et émotion, redéfinit la manière dont l’art urbain peut explorer et exprimer la condition humaine. Des collections telles que « The 27 Club » soulignent son engagement à montrer la complexité et la profondeur de ses sujets.
Comisaria independiente, crítica de arte y profesora en la Universitat Jaume I de Castelló. Compagina la docencia e investigación en el campo de las artes con el periodismo cultural a través de colaboraciones con medios como la SER o el periódico El Mundo.
