La pop art è uno dei movimenti neoavanguardisti più studiati della seconda metà del XX secolo. Fu battezzato in Inghilterra, ma presto si trasferì negli Stati Uniti, dove incontrò il suo partner. E sono gli americani, con la loro estetica dell’indifferenza, a svilupparla meglio. Marta Castanedo, docente dell’Università di Salamanca, ha pubblicato nel 2021 un interessante studio sulla cultura pop dal titolo “Morte, disastro e incidente. Andy Warhol e la fine del sogno americano”. Questo lavoro è stato anche premiato con il premio nazionale per la migliore pubblicazione assegnato dalla Società Spagnola di Estetica e Teoria delle Arti. Nel suo studio, Castanedo sostiene che il pop ha lasciato una grande influenza sulle altre arti, ma anche sulla società. Un’eredità che è ancora molto viva oggi. E il fatto è che la sua impronta sulla cultura è enorme. Immagini popolari e tecniche svalutate sono la sua formula. Il lavoro di questo insegnante diventa il nostro punto di partenza.
Pop Art: dal Vecchio Mondo alla Terra delle Opportunità
Ma partiamo dall’inizio. Negli anni ’20 il filosofo spagnolo Ortega y Gasset scrisse “La rivolta delle masse”. Gasset sosteneva che una minoranza illuminata potesse iniziare a godere di elementi o tratti delle classi privilegiate per acquisire potere sociale. Questa dualità massa-minoranza è diventata il fulcro del dibattito. Quasi 30 anni dopo, il critico d’arte inglese Lawrence Alloway fece eco a queste idee nel testo fondante della Pop Art. Tuttavia, lungi dal difendere una cultura elitaria, Alloway preferisce guardare al gusto delle masse.
Questo critico dava voce a un gruppo di artisti che negli anni ’50 sostenevano un nuovo linguaggio. Tra questi Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi e lo stesso Alloway. Un gruppo esclusivo di artisti, critici o architetti desiderosi di sovvertire il sistema. Erano stanchi della retorica astratta. Come afferma il professor Castanedo, questi artisti pionieri sezionano i prodotti della cultura di massa da cui prendono molti dei loro riferimenti. Che si tratti di film, fumetti o musica, soprattutto. Una delle sue principali preoccupazioni è il rapporto tra arte e tecnologia.
This Is Tomorrow: l’alba della Pop Art
Nel 1956 la galleria Whitechapel ospitò la mostra “This is tomorrow”, che è stata considerata il punto di partenza per la pop art. Il filo conduttore della mostra era la vita moderna. La sua presentazione è stata anche una dichiarazione di intenti. Gli artisti sono stati divisi in dodici gruppi. La galleria era piena di installazioni e i pezzi si contendevano l’attenzione dello spettatore. Si trattava di una mostra interattiva a cui gli spettatori dell’epoca non erano affatto abituati. Una delle proposte era una visione catastrofica di ciò che sarebbe rimasto di una singola guerra. Altri, invece, dovevano difendere un’idea di Eden. Il famoso collage che Richard Hamilton creato come poster di una mostra è uno dei primi collage pop art del movimento. Mentre Adamo è un culturista che mostra sfacciatamente i suoi muscoli, Eva si è trasformata in una pin-up. La parola POP si legge sul lecca-lecca indossato da questa sorta di Adamo moderno. Questo poster mostra tutti gli elementi di una società del dopoguerra che amava l’esuberanza, dove predomina il culto della bellezza, della forza e del sesso. Ti ricorda qualcosa? Pura casualità. Questo poster ci parla del futuro che ci attende. Una società dei consumi che in America era una realtà, ma che in Europa negli anni ’50 era solo un sogno. Il compito più urgente era ricostruire le città devastate e sfamare la popolazione.
Dalla prudenza della pop art britannica all’audacia americana
Sebbene l’Inghilterra sia il luogo di nascita del pop, gli artisti britannici non hanno osato spingere al limite i postulati di questo nuovo linguaggio. In contrasto con la loro cautela, gli americani fecero il passo definitivo. Parigi aveva perso la capitale artistica di cui aveva goduto a lungo. La fine della guerra aveva cambiato la mappa e gli Stati Uniti erano emersi con una certa forza. Erano gli anni ’60 e New York assunse questa leadership culturale. Il pop viene trasformato dal contatto con questa classe media.
Nel campo delle arti, le caratteristiche della pop art americana sono leggermente diverse da quelle della pop art inglese. Ciò che conta è cosa e come. La risposta alla prima domanda è l’oggetto del consumo o i referenti della cultura popolare. Un’iconografia popolare di origine prettamente industriale che si riflette nei quadri della pop art. Su come dobbiamo scoprire uno stile che si basa anche sul vocabolario della produzione di massa. La sostanza e la forma acquistano autonomia.
Andy Warhol: da designer commerciale a icona della pop art
Ricordiamo che molti artisti americani provengono dal mondo del design commerciale e della pubblicità. È il caso di Andy Warhol, il cui sogno e la cui aspirazione sono sempre stati quelli di diventare un artista pop. E così è stato. È passato dall’essere un designer a un creatore. Le sue appropriazioni di idoli come Elvis, Marilyn Monroe e Jackie Kennedy sono tra le opere più famose del XX secolo.
“In futuro tutti saranno famosi per 15 minuti”. – Andy Warhol
Per capire cos’è la pop art e fino a che punto la sua eredità è ancora presente nella nostra vita quotidiana, dobbiamo riconoscere i suoi tratti. Da un lato, quello stile puro, privo di gesti, dove non c’è pennellata. A differenza di altri movimenti come l’Espressionismo, la Pop Art cerca di nascondere la mano dell’artista. Il suo linguaggio è chiaro e diretto. Potremmo anche dire meccanico (nel senso di anti-artistico). Il suo obiettivo è quello di rappresentare la società americana. Viene spesso descritto come freddo. L’idea di ripetitività compare spesso nel pop, alludendo a una catena di montaggio che prevale sull’individuo. Dopo tutto, qualsiasi lavoratore può essere sostituito. Questo mimetismo con l’industrializzazione e il marketing, come nella pubblicità, è uno dei suoi segni più riconoscibili. In breve, immagini commerciali, la sostituzione di tecniche artistiche con tecniche commerciali e l’uso di materiali industriali.
La Pop Art come precursore del postmodernismo
La classe operaia americana non ha mai capito l’Espressionismo astratto, uno stile che era già genuinamente americano, senza essere debitore della vecchia Europa. Tuttavia, il pop non era affatto uno stile di cosiddetto gusto popolare. Piuttosto, divenne presto una forma d’arte legittima e d’avanguardia. Ha semplicemente preso in prestito le sue icone dalla cultura popolare. Dopo tutto, il pop è leggibile, comprensibile, rompe il mito dell’artista allineato e, soprattutto, è un’arte complice. Il recupero della figurazione basata su elementi quotidiani è il suo migliore alleato.
L’estetica dell’indifferenza nella Pop Art
C’è un’idea su cui si sofferma il professor Castanedo che mi sembra molto azzeccata. Sostiene che la pop art non vuole assomigliare alla vita reale, ma vuole assomigliare all’idea o al modello di vita trasmesso dal marketing o dal mondo della pubblicità. Ricordiamo le opere di Roy Lichtenstein e il modo in cui disegna dai fumetti in modo distante e impersonale, spassionato. Questa idea di impersonalità si ritrova in molti artisti americani, ma non in quelli inglesi.
La pop art americana non è né una satira della società dei consumi né una difesa o un’accettazione della stessa. Secondo l’ipotesi di Marta Castanedo, il pop si limita a registrare la realtà senza esprimere giudizi. Per questo ha coniato la frase estetica dell’indifferenza. Seguendo il suo discorso, questa sarebbe la risposta al perché è ancora così influente oggi. Proprio in questo paradosso di critica o accettazione risiede il suo successo. Nel pop non ci sono risposte, c’è il silenzio. Gli artisti non dicono più nulla, ora è lo spettatore a dare un significato o un altro.
Altri autori sostengono che in un certo senso il Pop è un precursore della post-modernità, in quanto introduce la banalità nell’arte. Fino ad allora, l’arte era qualcosa di tremendamente serio. Una provocazione che continuiamo a vedere in molte proposte artistiche di oggi.
Perché Maseda va oltre la superficialità della Pop Art
Maseda trova nella Pop Art una fonte di ispirazione, ma il suo lavoro va ben oltre. il suo lavoro va ben oltre. Sebbene si rifaccia ad alcuni elementi caratteristici della Pop Art, come l’uso di colori vivaci come il caratteristico fluoro e la rappresentazione di figure riconoscibili, Maseda prende chiaramente le distanze da questo movimento. La sua arte è radicata in una profonda esplorazione emotiva e in una cruda rappresentazione della vulnerabilità umana, aspetti che la distanziano dalla banalità o dall’indifferenza che definiscono la Pop Art. Maseda utilizza una pennellata gestuale che contrasta con la Pop Art, che nasconde la mano dell’artista. Maseda si diletta nel gesto, sottolineando il suo legame personale con ogni opera.
Maseda utilizza una tavolozza di bianco e nero con tocchi di rosa fluorescente che è diventata il suo marchio di fabbrica. A differenza della Pop Art, che tende a evitare l’espressione personale e la mano dell’artista, Maseda si immerge nell’esplorazione degli angoli più oscuri dell’animo umano. I suoi ritratti, carichi di un’intensa espressione emotiva, cercano di entrare in contatto diretto con lo spettatore, rivelando la fragilità e le lotte interiori dei suoi soggetti.
Mentre la Pop Art celebra e critica la cultura del consumo attraverso la ripetizione e l’iconografia popolare, Maseda si concentra sull’individualità e sull’introspezione. Le sue opere, sebbene includano figure riconoscibili, non cercano di replicare la superficialità della cultura popolare, ma piuttosto di scavare nella psiche umana. Questa differenziazione è fondamentale per comprendere il suo posto nell’arte contemporanea.
Un esempio notevole di questa distinzione è la sua collezione “El Club de los 27”, in cui Maseda ritrae musicisti iconici morti all’età di 27 anni. Questa serie non solo mette in evidenza la notorietà di queste figure, simile all’approccio della Pop Art alla celebrità, ma esplora anche le loro lotte personali e il tormento che hanno affrontato. Ogni ritratto di questa collezione è una finestra sulla fragilità e sulla complessità di questi artisti, che affrontano i temi del dolore, della vulnerabilità e della natura effimera del successo e della fama.
In conclusione, sebbene Maseda trovi nella Pop Art un’innegabile influenza, il suo lavoro si distingue per il suo approccio introspettivo ed emotivo. L’eredità della Pop Art è visibile nell’uso dell’iconografia e del colore, ma Maseda trascende queste influenze creando un’arte che non solo si vede, ma si sente. Il suo lavoro, con la sua combinazione unica di tecnica ed emozione, ridefinisce il modo in cui l’arte urbana può esplorare ed esprimere la condizione umana, con collezioni come “The 27 Club” che sottolineano il suo impegno nel mostrare la complessità e la profondità dei suoi soggetti.
Comisaria independiente, crítica de arte y profesora en la Universitat Jaume I de Castelló. Compagina la docencia e investigación en el campo de las artes con el periodismo cultural a través de colaboraciones con medios como la SER o el periódico El Mundo.
