絵画の起源におけるアクリルの理解
絵画の歴史は技法の進化の歴史でもある。芸術家なら誰でも、作品の基本は技法の知識と熟練であることを知っている。第四紀美術の絵画において、馬の毛や羽毛から作られた筆を使った最初の天然顔料から近代絵画に至るまで、そこには深淵がある。あるいはそうでもない。筆の形は旧石器時代から現代まで少しも変わっていない。一方、色は石を砕いて土を作り、そこから抽出された。たとえば黒は、美術史上最初の色だが、木炭やマンガンから抽出された。私たちがアルタミラのような洞窟で楽しんでいる赤や黄土は、粘土を砕いた酸化鉄で作られた。こうしてできた粉では不十分で、絵を描くにはもっと液状のテクスチャーが必要であることがすぐにわかった。これがいわゆる絵の具の膜だ。そのため、卵白、血液、魚の糊、樹脂……といった結合剤を加え、最後にすべてを粉砕した。こうしてできたのが洞窟壁画だ。洞窟に描かれた絵は、天候に翻弄されたシェルターにも描かれ、数千年後の私たちの目にも見える。
初期文明における絵画
巨石主義の長い時代を経て、巨大な石の塊に代わって絵画が姿を消した後、最初の文明で絵画が復活した。 エジプトの神殿やアテネのアクロポリスの真の壮麗さは、今日私たちが思い描くものとどれほどかけ離れていることだろう！鮮やかな色彩で描かれたパルテノン神殿を想像するのは難しい。しかし、実際はそうだった。年代記によれば、この巨大な建築は赤（メトープの背景）、青（トリグリフ）、金と黒（柱の溝）で塗られていた。ローマ人は、そしてとりわけルネサンス期の人々は、ギリシャ文化から多色使いの痕跡を消し去ることに全力を注いだ。ギリシャ人はあらゆるものに色を塗っていたのだから。壁だけでなく、建物や彫刻でさえもだ。デルフィの戦車兵は、海から持ち出されたため、大砲の弾のように溶かされてしまうことはなかったが、つけまつげまで残っているブロンズ彫刻である。ギリシャの彫像の最も一般的な素材である青銅は、人間の皮膚を模した蝋の層の下に隠され、その後塗装された。 偉大なフィディアスが設計したアテネの印象的なアクロポリスを歩き、建物、壁、彫刻に施されたこのようなさまざまな色を見たときの効果を想像できるだろうか。もちろん、豊かなクレタ島やその有名な宮殿にも先例があった。クノッソスには、ミノア絵画の最高傑作のいくつかが残されている。
ヘレニズム文化以前にもエジプト人はいた。ナイル川のほとりで生まれたこの文明もまた、神殿や墓を明るく平坦な色彩で飾った。どちらもフレスコ、テンペラ、エンカウスティックの技法を用いた。また、同じく河岸の隆起によって生まれたもうひとつの初期文明も忘れてはならない。チグリスとユーフラテス川はメソポタミア文化の発祥地である。目には目を、歯には歯をというハンムラビ法典の発祥地である。しかし、建築物を装飾するためにテンペラ画を用いたのもこの時代である。そのパレットはエジプト人よりも変化に乏しく、白、赤、青に限られている。
古典絵画技法
フレスコ、テンペラ、アンコースティックの3つの技法は、ロマネスク、ゴシック時代を筆頭とする中世の長い時代に実質的に君臨した技法である。テンペラ画は通常水に溶かし、主に卵黄、植物性ガム、カゼインなどをバインダーとして使用する。ルネサンス初期にも、中世の絵画に広く用いられた技法である。その擁護者たちは、通常硬くて耐性のある層を持つ鮮やかな色彩の結果を主張している。
フレスコ画
フレスコ画は壁画の最も一般的な形式である。史上最も有名なフレスコ画はシスティーナ礼拝堂の天井画で、ミケランジェロはローマ教皇ユリウス2世のために、ほとんど彼の意志に反して描いた。この教皇は、絵画史上最も傑出した例のひとつを構想するよう神格を説得することに成功したのである。20世紀の80年代から90年代にかけて行われた完全な修復によって、何層にも重なった汚れとロウソクの煙が取り除かれた後、私たちは今日もなお感動的な色彩を発見する。フレスコ画の技法は、まるでペンキを塗ったかのような耐久性を実現している。その特徴は、壁に直接塗るのではなく、濡れた石灰漆喰の上に塗ることだ。顔料も水に溶けて石灰モルタルに浸透する。この下地がまだ濡れている間にしかペンキを塗ることができないからです。以上がメリットだが、デメリットもある。最も重要なのは、修正がきかないことだ。画家がミスをすれば、モルタルを削り取って作業をやり直さなければならない。だから偽フレスコ画も生まれたのだ。すべての画家がミケランジェロではない。最古の文明ではすでにフレスコ画が使われていたが、それが最も花開いたのはビザンチウム、ロマネスク、ゴシック、ルネサンス、バロックの時代であり、特にパードレ・ポッツォの幻想主義的バロックであった。もちろん、18世紀の最後の3分の1には、ゴヤが有名な『意識の覚醒』の中で描いたサン・アントニオ・デ・ラ・フロリダの驚くべきフレスコ画という傑出した章がある。
エンカウティクス
3つ目に挙げた技法、エンカウスティック技法は熱を必要とする。溶かしたワックスで色を薄め、熱いうちに塗る。ギリシャが発祥の地である。この混合物は濃密でクリーム状である。ローマ人は、特にパネルに頻繁に使用した。中世から18世紀、19世紀にかけて、この技法は力強く復活し、人気を博した。その最大の魅力は、鮮やかな色彩と透明感、そして優れた耐久性だ。20世紀にエンカウスティックが経験した現象は不思議だ。多くの現代アーティストがこの技法に夢中になり、純粋に使ったり、混合技法と混ぜたりした。最も有名なのは、メキシコの壁画家ディエゴ・リベラであり、ジャスパー・ジョーンズやリンダ・ベングリスもその一人である。
石油革命
いずれの技術も、そのルーツは古い時代にある。しかし、15世紀には真の革命が起こった。油絵具の登場は、絵画にとってまさに激震だった。フランドルの画家ヤン・ファン・エイクが発明したわけではないが、この技法を広めたことで有名なのはフランドルの画家ヤン・ファン・エイクである。 アルノルフィーニ夫妻の絵を知らない人はいないだろう。夫妻の足元にいる小さな犬は、細部まで描き込まれている。髪の毛一本一本が描かれているようだ。このような緻密さは、当時知られていた他の絵画技法では実現できなかった。それ以来、油絵はヨーロッパで最も優れた技法となった。油絵の主な特徴は、植物性樹脂と油（主に亜麻仁油やクルミ油）をバインダーとして使うことである。水を使わないため、他の技法に比べて乾くのが遅い。油絵の多様性は無限である。画家は、ほとんど透明に見えるほど薄い層を塗ることができる。釉薬の黄金時代だ！釉薬の黄金時代だ！しかし同時に、厚みが安心感を与えるような大きな材料を塗ることもできる。油絵具はキャンバスやボードに塗られる。なぜ芸術家たちが油絵具を使い始めたのかを理解する鍵は、その鮮やかな色彩と、何よりも作品を変えることなく筆跡を重ね合わせることができるため、修正することが可能だったからだ。X線が登場するまでは。現代の技術がもたらしたベラスケスや他の芸術家たちの後悔は有名だ。
この物語は成功の連続ではないので注意してほしい。レオナルド・ダ・ヴィンチの『最後の晩餐』を思い出してほしい。これは、乾燥した石膏にテンペラと油絵具を塗って失敗したものだ。間違った配合と厨房の熱によって、美術史上最も有名な絵画のひとつである絵画層が劣化してしまったのだ。
アクリル：現代の技法
最後にもう1つ触れておかなければならないことがある。誰も油絵を追い落とすことはできないと思われたとき、アクリルが登場した。時は20世紀初頭、ヴァンガードたちが伝統的な絵画を牽制していた。自由を求める声は、最初は古いヨーロッパ、後にはアメリカなど、さまざまな場所から聞こえてきた。アカデミズムに反対する技法が生まれたのは驚くことではない。アクリルと油彩は現在も過去もあった。アクリルは水と、油絵は油と混ぜる。そのため、アクリルは油絵の具の上に乗せてはいけないという黄金律がある。さらに、両者は質感が違う。アクリルはエナメル質です。仕上げはマットにもグロスにもなる。アクリルにはラテックスが入っていることも忘れてはならない。弱点は？アクリルは最近発見されたものなので、どのくらい長持ちするのか、将来ひび割れしないのか、まだ正確にはわかっていない。
アクリルの主な利点は乾燥の速さだ。もうひとつの長所は、抽象画における表現の可能性だ。特徴的なドリップやスプレーペイントのような要素は、アクリルを最高の相棒としている。この多様性は、実験的でアバンギャルドなアーティストたちを魅了してきた。アメリカの抽象表現主義を考えてみよう。ジャクソン・ポロックは、アクリルの流動性と速乾性なしには、有名なドリップを描けなかっただろうか？不可能だ。
アクリル絵の具の起源は？
アクリルは近代化学から生まれた。1934年、ドイツの化学会社BASFが最初のアクリルポリマー分散液を作った。しかし、画家たちがアクリルの芸術的可能性を真剣に追求し始めたのは1950年代になってからである。モリス・ルイスやヘレン・フランケンサーラーといった名だたる画家たちが、油絵具では不可能な色彩効果を生み出すことができることを発見し、アクリル絵具のパイオニアとなった。
アクリルを使うメリット
アクリル絵具のパレットは無限だ。合成顔料は、油絵具では夢見ることしかできないような、鮮やかで飽和した色を可能にします。さらに、不透明度や透明度は、水やアクリルメディウムで絵具を薄めることで簡単にコントロールできます。 テクスチャーが欲しいですか？アクリル絵の具には質感があります。水彩絵の具のような薄い層から、油絵の具の濃さに匹敵する厚いインパストまで。そして、絵具以外の素材を取り入れる能力も忘れてはならない。砂、紙、キャンバス…アクリルはそのポリマーマトリックスにそれらすべてを閉じ込める。
しかし、アクリルは抽象主義者や実験主義者だけのものではない。チャック・クローズのようなハイパーリアリストは、アクリル絵具が驚くほどのディテールを表現できることを証明している。乾燥が早いので、何日も何週間も待つことなく、重ね塗りができる。キャンバスは数ヶ月ではなく数時間で完成する。
アクリルはまた、絵画を民主化した。油絵具よりも安く、使いやすく、掃除も簡単だ。有毒な溶剤を必要とせず、強い匂いも発生しない。そのため、美術学校やワークショップで好んで使われるようになった。何世代ものアマチュアやプロのアーティストが、アクリルを主なメディウムとして訓練を受けてきた。
アクリル絵具を使うデメリット
デメリットはどうだろう？長期的な耐久性に不安があるほか、見た目が「プラスチック的」すぎると不満を漏らす画家もいる。また、油絵具の深みや豊かさを懐かしむ人もいる。また、乾燥時間が早いことは、多くの点で有利ではあるが、ウェット・オン・ウェットで長時間作業することを好む人にとっては不満が残るかもしれない。
しかし、こうした批判もアクリルの進歩を遅らせることはなかった。アクリルは進化し続けている。新しい調合は、油絵具の質感と光沢を模倣しようとしている。また、環境にやさしく、プラスチックを使わず、完全に生分解するアクリル絵具も開発されている。アクリル絵具の未来は、すべての絵画の未来と同様、まだ描かれていない。しかし、ひとつ確かなことは、この現代的な技法は美術史のパレットにその名を刻んでいるということだ。
マセダの作品におけるアクリルの使用
マセダのようなアーティストがアクリル画を選んだのは驚くことではない。カステリョン出身のマセダの身振り手振りのストローク・ペインティングとストリート・アートの響きは、彼の筆致がアクリルのようなテクニックを必要とすることを意味している。ジャクソン・ポロックのような天才が祭壇に掲げた抽象表現主義が、マセダの作品に欠かせない要素となっている。アクリル画とアクション・ペインティングは同じもののように思える。マセダは、切っても切れないフューシャの色調でスプレーをかけるとき、しずくの水のような効果も探している。たしかにマセダは技法を組み合わせるのが好きだ。一般的に、アクリル、スプレー、フェルトペンが彼の三種の神器だ。しかし、いつもアクリルだ。マセダのリズム、情熱、激情は、その速い筆致とともに、彼をアクリルの忠実な信奉者にしている。
しかし、間違えてはいけない。物語はこれで終わりではない。文字もまた、粘土板からパピルス、紙、そしてコンピューターのキーへと移り変わってきた。そしてそれはまだ生きている。絵画はこれからも新しい技法を取り入れ、新しい手法や素材を加えていくだろう。人工知能は、私たちが今ほとんど夢見ることのできない世界を発見するかもしれない。 マセダの蓄光塗装は、この物語のもう一つのステップではないだろうか？
Comisaria independiente, crítica de arte y profesora en la Universitat Jaume I de Castelló. Compagina la docencia e investigación en el campo de las artes con el periodismo cultural a través de colaboraciones con medios como la SER o el periódico El Mundo.
