Capire l’acrilico alle origini della pittura
La storia della pittura è anche la storia dell’evoluzione della tecnica. Qualsiasi artista sa che la base del suo lavoro è la conoscenza e la padronanza della tecnica. Dai primi pigmenti naturali applicati con pennelli fatti di crine o piume nei dipinti dell’arte quaternaria fino ai dipinti moderni, c’è un abisso. O forse no. Nota che la forma del pennello non è cambiata di una virgola dal Paleolitico a oggi. I colori, invece, venivano estratti da pietre frantumate per formare una terra. Il nero, ad esempio, il primo colore della storia dell’arte, veniva estratto dal carbone di legna o dal manganese. Il rosso e l’ocra che possiamo ammirare in grotte come quella di Altamira erano prodotti con ossidi di ferro provenienti da argille frantumate. La polvere ottenuta non era sufficiente e presto scoprirono che per dipingere avevano bisogno di una consistenza più liquida. Questa è la cosiddetta pellicola pittorica. Per questo motivo aggiunsero dei leganti, che potevano essere albume d’uovo, sangue, colla di pesce, resine… E infine tutto fu macinato. Ed ecco i dipinti. Dipinti nelle grotte, ma anche in rifugi in balia delle intemperie, visibili ai nostri occhi migliaia di anni dopo.
La pittura nelle prime civiltà
Dopo il lungo periodo del megalitismo, in cui la pittura scomparve a favore di questi grandi blocchi di pietra, essa tornò in auge nelle prime civiltà. Quanto è lontana la vera magnificenza dei templi egizi o dell’acropoli di Atene da quella che contempliamo oggi! È difficile immaginare un Partenone dipinto con colori vivaci. Eppure c’era. Le cronache ci raccontano che questa colossale architettura fu dipinta in rosso (per gli sfondi delle metope), in blu (sui triglifi) e in oro e nero (sulle scanalature delle colonne). I Romani, ma soprattutto gli uomini del Rinascimento, si dedicarono a eliminare ogni traccia di policromia dalla cultura greca. Un sacrilegio, perché i Greci dipingevano tutto. Non parlo solo di muri, ma anche di edifici e persino di sculture. L’auriga di Delfi, preso dal mare e quindi al sicuro dalla fusione come palle di cannone, è una scultura in bronzo che conserva ancora persino le ciglia finte. Il bronzo, il materiale più comune per la statuaria greca, veniva nascosto sotto uno strato di cera che simulava la pelle umana e poi dipinto. Riesci a immaginare l’effetto di camminare per l’imponente acropoli di Atene progettata dal grande Fidia e vedere una tale gamma di colori su edifici, pareti e sculture? Naturalmente avevano un precedente nella ricca Creta e nei suoi famosi palazzi. Cnosso conserva alcuni dei migliori esempi di pittura minoica.
Prima ancora della cultura ellenica c’erano gli Egizi. Anche questa civiltà nata sulle rive del Nilo decorò templi e tombe con colori piatti e brillanti. Entrambe utilizzavano le tecniche dell’affresco, della tempera e dell’encausto. Non dobbiamo dimenticare un’altra civiltà primitiva, anch’essa sorta sulle rive dei fiumi. Il Tigri e l’Eufrate furono la culla della cultura mesopotamica. Quella del codice di Hammurabi dell’occhio per occhio e del dente per dente. Ma fu anche quella che utilizzò la pittura a tempera a scopo decorativo per abbellire l’architettura. La sua tavolozza è meno varia di quella degli Egizi e si limita ai bianchi, ai rossi e ai blu.
Tecniche di pittura classica
Queste tre tecniche, l’affresco, la tempera e l’encausto, sono state praticamente le tecniche dominanti durante il lungo periodo del Medioevo, con i periodi romanico e gotico in prima linea. La pittura a tempera viene solitamente sciolta in acqua e utilizza principalmente tuorlo d’uovo, gomma vegetale o caseina come legante. È una tecnica ampiamente utilizzata nella pittura medievale, anche nel primo Rinascimento. I suoi sostenitori affermano che i colori sono brillanti e lo strato è solitamente duro e resistente.
L’affresco
Gli affreschi sono la forma più comune di pittura murale. L’affresco più famoso di tutti i tempi è il soffitto della Cappella Sistina, che Michelangelo dipinse per Papa Giulio II quasi contro la sua volontà. Dobbiamo essere grati a questo Papa che riuscì a convincere il Divino a concepire uno degli esempi più straordinari della storia della pittura. Dopo un restauro completo (negli anni ’80 e ’90 del XX secolo), che è riuscito a rimuovere gli strati di sporco e il fumo delle candele, scopriamo un colore che si muove ancora oggi. La tecnica dell’affresco raggiunge una durata nel tempo che li fa sembrare appena dipinti. La sua particolarità è che non viene applicato direttamente sul muro, ma su un intonaco di calce umido. I pigmenti si sciolgono anche nell’acqua e penetrano nella malta di calce. Per questo motivo si parla di giorni, perché si può dipingere solo quando questa preparazione è ancora umida. Questi sono i vantaggi, ma ci sono anche degli svantaggi. Il più importante è che non ammette rettifiche. Se l’imbianchino commette un errore, la malta deve essere rimossa e il lavoro deve essere ricominciato. Ecco perché è nato anche il falso affresco. Non tutti i pittori sono Michelangelo. Sebbene le prime civiltà utilizzassero già l’affresco, fu a Bisanzio, nel Romanico, nel Gotico, nel Rinascimento e nel Barocco – soprattutto con il Barocco illusionista di Padre Pozzo – che l’affresco ebbe la sua massima fioritura. Naturalmente, l’ultimo terzo del XVIII secolo ha un capitolo eccezionale negli incredibili affreschi di San Antonio de la Florida dipinti da Goya nel suo famoso Risveglio della Coscienza.
Encausto
La terza tecnica menzionata, quella dell’encausto, richiede il calore. I colori vengono diluiti in cera fusa e applicati a caldo. La Grecia è il luogo di nascita di questa tecnica. La miscela è densa e cremosa. I Romani la usavano spesso, soprattutto sui pannelli. Durante il Medioevo e i secoli XVIII e XIX, la cera tornò in auge e guadagnò popolarità. La sua principale attrattiva sono i colori vivaci, le qualità di trasparenza e la grande durata. Il fenomeno vissuto dall’encausto nel corso del XX secolo è curioso. Molti artisti moderni si sono innamorati di questa tecnica, utilizzandola pura o mescolandola con tecniche miste. Uno dei più famosi è stato il muralista messicano Diego Rivera, insieme a Jasper Johns e Lynda Benglis.
La rivoluzione del petrolio
Ognuna di queste tecniche affonda le sue radici in tempi remoti. Tuttavia, il XV secolo fu testimone di una vera e propria rivoluzione. La comparsa della pittura a olio fu un vero e proprio terremoto per la pittura. Sebbene non sia stata inventata dal pittore fiammingo Jan Van Eyck, quest’ultimo è famoso per aver reso popolare questa tecnica. Chi non conosce il dipinto dei coniugi Arnolfini? Il cagnolino ai piedi della coppia è uno sfoggio di dettagli. Sembra che sia stato dipinto capello per capello. Una tale meticolosità non poteva essere ottenuta con nessun’altra tecnica pittorica conosciuta all’epoca. Da quel momento in poi, la pittura a olio divenne la tecnica europea per eccellenza. Le caratteristiche principali della pittura a olio sono l’utilizzo di resina vegetale e olio (principalmente olio di lino o di noce) come legante. Poiché non utilizza l’acqua, si asciuga molto più lentamente rispetto alle altre tecniche. La versatilità della pittura a olio è infinita. Permette al pittore di applicare strati così sottili da sembrare quasi trasparenti – l’età d’oro degli smalti! Ma allo stesso tempo, puoi applicare un grande carico di materia il cui spessore ti dà sollievo. La pittura a olio viene applicata su tela o tavola. Il motivo per cui gli artisti hanno iniziato a utilizzare la pittura a olio è la brillantezza dei suoi colori e, soprattutto, la possibilità di rettificarla, dato che puoi sovrapporre le pennellate senza alterare l’opera. Questo fino all’avvento dei raggi X. Sono famosi i rimpianti di Velázquez e di altri artisti che le tecniche moderne hanno portato alla luce.
Attenzione, questa storia non è una successione di successi. Ricordiamo l’Ultima Cena di Leonardo da Vinci, un tentativo fallito di tempera e olio su intonaco secco. Una miscela sbagliata e il calore delle cucine causarono il deterioramento dello strato pittorico di uno dei dipinti più famosi della storia dell’arte.
Acrilico: la tecnica moderna
Rimane un ultimo capitolo da menzionare. Proprio quando sembrava che nessuno potesse detronizzare la pittura a olio, arrivò l’acrilico. Era l’inizio del XX secolo e le Avanguardie avevano messo sotto scacco la pittura tradizionale. Un grido di libertà si levò da diversi luoghi, prima nella vecchia Europa e poi negli Stati Uniti. Non sorprende che sia nata una tecnica contraria all’accademismo. L’acrilico e l’olio erano presenti e passati. L’acrilico si mescola con l’acqua e l’olio con l’olio. Per questo motivo una regola d’oro è che l’acrilico non può mai essere sovrapposto all’olio. Inoltre, le loro texture sono diverse. L’acrilico è più smaltato. La finitura può essere opaca o lucida. Non dimentichiamo nemmeno che l’acrilico contiene lattice. D’altra parte, può essere combinato con altre tecniche come la tempera o l’acquerello. Un punto debole? La sua recente scoperta significa che non sappiamo ancora esattamente quanto durerà e se si romperà in futuro.
Il principale vantaggio dell’acrilico è la velocità di asciugatura. Un altro dei suoi punti di forza sono le possibilità espressive quando si tratta di pittura astratta. Elementi come le caratteristiche sgocciolature o l’applicazione di vernice spray hanno nell’acrilico il loro miglior compagno. Questa versatilità è stata una calamita per gli artisti sperimentali e d’avanguardia. Pensa all’espressionismo astratto americano: Jackson Pollock avrebbe potuto creare i suoi famosi dripping senza la fluidità e la rapida asciugatura dell’acrilico? Impossibile.
Qual è l’origine della vernice acrilica?
L’acrilico è nato dalla chimica moderna. Nel 1934, l’azienda chimica tedesca BASF creò la prima dispersione di polimeri acrilici. Ma è stato solo negli anni ’50 che i pittori hanno iniziato a esplorare seriamente il suo potenziale artistico. Nomi come Morris Louis e Helen Frankenthaler ne furono i pionieri, scoprendo che potevano creare effetti cromatici impossibili con i colori a olio.
Vantaggi dell’utilizzo dell’acrilico
La tavolozza degli acrilici è infinita. I pigmenti sintetici permettono di ottenere colori vibranti e saturi che la pittura a olio può solo sognare. Inoltre, la sua opacità o trasparenza può essere facilmente controllata diluendo la pittura con acqua o con un medium acrilico. Vuoi una texture? L’acrilico le offre tutte. Dagli strati sottili come l’acquerello agli impasti spessi che rivaleggiano con la più densa pittura a olio. E non dimentichiamo la sua capacità di incorporare materiali non pittorici. Sabbia, carta, tela… l’acrilico li intrappola tutti nella sua matrice polimerica.
Ma l’acrilico non è solo per gli astrattisti e gli sperimentatori. Iperrealisti come Chuck Close hanno dimostrato che può raggiungere un livello di dettaglio sorprendente. Il suo tempo di asciugatura rapido ti permette di lavorare a strati successivi senza aspettare giorni o settimane. Una tela può essere completata in poche ore, non in mesi.
L’acrilico ha anche democratizzato la pittura. È più economico della pittura a olio, più facile da usare e da pulire. Non richiede solventi tossici e non produce odori forti. Per questo motivo è il preferito dalle scuole d’arte e dai laboratori. Generazioni di artisti dilettanti e professionisti si sono formati con l’acrilico come mezzo principale.
Svantaggi dell’uso della vernice acrilica
E gli svantaggi? Oltre all’incertezza sulla sua durata a lungo termine, alcuni pittori lamentano un aspetto troppo “plastico”. Altri sentono la mancanza della profondità e della ricchezza dei colori a olio. Inoltre, i suoi tempi di asciugatura rapidi, pur essendo vantaggiosi sotto molti punti di vista, possono essere frustranti per chi preferisce lavorare a lungo bagnato su bagnato.
Ma queste critiche non hanno rallentato il suo progresso. L’acrilico continua a evolversi. Nuove formulazioni cercano di imitare la consistenza e la lucentezza dei colori a olio. Altri sviluppi puntano verso vernici acriliche ecologiche, prive di plastica e completamente biodegradabili. Il futuro dell’acrilico, come quello di tutta la pittura, è ancora da scrivere. Ma una cosa è certa: questa tecnica moderna si è guadagnata un posto nella tavolozza della storia dell’arte.
L’uso dell’acrilico nelle opere di Maseda
Non sorprende quindi che artisti come Maseda abbiano scelto l’acrilico. La pittura gestuale e gli echi della street art dell’artista di Castellón fanno sì che le sue pennellate richiedano una tecnica come l’acrilico. Le sgocciolature che l’espressionismo astratto, con geni come Jackson Pollock, ha innalzato agli altari sono una parte essenziale del lavoro di Maseda. L’acrilico e l’action painting sembrano essere la stessa cosa. Quando Maseda applica lo spray con il suo inseparabile tono fucsia, cerca anche l’effetto acquoso del gocciolamento. È vero che Maseda ama combinare le tecniche. In genere, il suo tridente vincente è costituito da acrilico, vernice spray e pennarello. Ma sempre acrilico. Il ritmo, la passione e la furia di Maseda, insieme alla sua pennellata veloce, lo rendono un fedele seguace degli acrilici.
Ma non illudetevi. Questa non è la fine della storia. Anche la scrittura è passata dalle tavolette di argilla, al papiro, alla carta e ai tasti di un computer. Ed è ancora viva. La pittura continuerà a incorporare nuove tecniche, aggiungendo nuovi metodi e materiali. Forse l’intelligenza artificiale scoprirà un mondo che ora possiamo solo sognare. La pittura fotoluminescente di Maseda non è forse un’altra tappa di questa storia?
Comisaria independiente, crítica de arte y profesora en la Universitat Jaume I de Castelló. Compagina la docencia e investigación en el campo de las artes con el periodismo cultural a través de colaboraciones con medios como la SER o el periódico El Mundo.